Abstracts (08.09.2021)

Paper Session 09

08.09.2021 // 9.3010.30 // Room A 022 // Chair: Moritz Kelber

Luis Velasco-Pufleau (Bern)
«Did You Say ‹Music›? Exploring the Relationship Between Narratives on Musicology and Ontological Assumptions of Music» (P30)

Benjamin Ory (Stanford)
«Re-Narrating the ‹Post-Josquin› Generation» (P31)

Paper Session 10

08.09.2021 // 9.00–10.30 // Room A-122

Anna Bredenbach (Erfurt)
«Fach- und Sachgeschichten. Zur Funktion musikwissenschaftlicher Fachgeschichte innerhalb musikhistorischer Narrative» (P32)

José Gálvez (Bonn)
«Zur Materialität der musikalischen Analyse. Ein Beitrag zur Wissens- und Medienarchäologie der Musikwissenschaft» (P33)

Paper Session 11

08.09.2021 // 11.00–12.30 // Room A-126 // Chair: Cristina Urchueguía

Diego Alonso (Berlin)
«Historical Materialism and Music Historiography: Narratives of Music in Wartime Spain (1936–1939)» (P35)

Peter Asimov (Brussels)
«Indo-Europeanism at the Origins of Francophone Musicology» (P36)

Tobias Robert Klein (Berlin)
«Fachgeschichte und musikalische Globalgeschichte» (P37)

Paper Session 12

08.09.2021 // 11.00-12.30 // Room A 022 // Chair: Anselm Gerhard

Henrike Rost (Berlin)
«Musik-Stammbücher und Musikgeschichte(n) – Marginalisierung, Hierarchisierung und Potenziale» (P38)

Moritz Kelber (Bern)
«Musikwissenschaft und Musikpraxis. Problemgeschichte(n)» (P39)

Paper Session 13

08.09.2021 // 11.0012.30 // Room A-122 // Chair: Britta Sweers

Christopher Smith, Lubbock (Texas)
«Decolonizing the Conservatory» (P03)

Lisa Gaupp (Lüneburg)
«Transcultural Music Studies – a Decolonial Approach» (P42)

Lena van der Hoven (Bayreuth)
«Decolonising Musicology: A View from Opera Studies» (P43)


Abstracts

«Did You Say ‹Music›? Exploring the Relationship Between Narratives on Musicology and Ontological Assumptions of Music» (P30)

Luis Velasco-Pufleau (Bern)

Narratives about musicology are often determined by the definition of what music scholars consider music is and what kind of music is worth studying. Furthermore, as Philippe Bohlman asserts, a certain vision of the history of music is shaped by beliefs that «the music of the West, at least as it is imagined, performed, ordered, taught, and inherited by the generations, is a music that is inherently historical» (Bohlman 2013, 1). These beliefs have shaped narratives on musicology as a discipline. However, in recent years a growing number of researchers have fostered self-reflecting and interdisciplinary dialogues between musicology, ethnomusicology and popular music studies. One of the results of these efforts has been the exploration of our own auditory cultures and ontological assumptions about music, revealing both metaphysical conditions of music and its possibilities to act as a symbolic order in the social field (Bohlman 1999; 2013; Born 2010; Kane 2015). While these questions have been central issues in ethnomusicology since the establishment of the discipline (Nettl 2015, 19–30), recent interest in multiple ontologies of music can significantly challenge how musicology conceives its objects and historiography. This paper explores the interaction between self-reflecting scholarly practices in musicology and its objects, such as music and auditory cultures. Analysing ontological assumptions about the music and compositional practices from composers from the twentieth and twentieth-first centuries, this paper examines the role of these interactions in shaping and evolving narratives about contemporary music, musicology and scholars themselves.

Luis Velasco-Pufleau is a Marie Skłodowska-Curie Global Fellow at the Institute of Musicology and Walter Benjamin Kolleg at the University of Bern, and at the Schulich School of Music at McGill University. His work critically reflects on the relationship between music and politics in contemporary societies. After completing his PhD in Music and musicology at Sorbonne University in 2011, he was a postdoctoral researcher at the École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS), and University of Salzburg, as well as a Balzan visiting fellow at the University of Oxford. Luis Velasco-Pufleau is the editor of the open access research blog Music, sound and conflict and an editorial board member of the journal Transposition.


«Re-Narrating the ‹Post-Josquin› Generation» (P31)

Benjamin Ory (Stanford)

Since the 1950s, a nebulous collection of musicians active in the period between Josquin and Palestrina has been pejoratively characterized as the «post-Josquin» generation. Composers such as Adrian Willaert, Nicolas Gombert, and Clemens non Papa have been lumped together in an uncomfortable no man’s land not based on their periods of compositional activity, but because they died around the same time. It also overemphasizes Josquin’s influence on these figures. Although sixteenth-century writers had no difficulty making positive evaluations of these repertories, many modern analysts have been stymied by a tendency toward thick musical texture of five and six voices, unvarying duple meter, and long melodic lines.

Our understanding of the post-Josquin generation has largely been inherited from the early twentieth-century German scholars Joseph Schmidt-Görg and Hermann Zenck, who pioneered the first substantial research on Gombert and Willaert, respectively; and from Heinrich Besseler, a foundational figure in twentieth-century historiography. Notwithstanding invaluable recent scholarship examining these scholars’ institutional and political affiliations (e.g., Thomas Schipperges on Besseler, Anne-Marie Wurster and Jörg Rothkamm on Schmidt-Görg), I suggest that the musical mid-sixteenth century still bears the markers of a «delayed discipline.»

I argue that the collected-works editions pioneered by the American Institute of Musicology and led by Schmidt-Görg and Zenck have wielded tremendous institutional power over the subsequent reception of their composers. For Willaert in particular, Zenck’s biases became entrenched with his early death in 1950 and his lack of a true scholarly successor. Over seventy years later, the edition remains incomplete—but Zenck’s teleological approach to Willaert’s oeuvre (specifically regarding early versus late motets) shaped a half-century of research. Through reevaluation of musical material side-by-side with an investigation of these scholars’ methodological biases, this paper reframes received narratives while offering a more textured story that avoids marginalizing this «difficult» music.

Benjamin Ory is a Ph.D. candidate in musicology at Stanford University. His dissertation, which has been supported by a DAAD Research Grant, examines the origins of mid sixteenth-century musical style and its twentieth-century reception under National Socialism in Germany and during the post-war period. Benjamin is editing a volume of motets for the Adrian Willaert collected works edition (American Institute of Musicology, forthcoming 2021). He was a 2020–21 Stanford CESTA Digital Humanities Graduate Fellow, and is a 2021–22 Stanford Mellon Foundation Dissertation Fellow. Benjamin holds an A.B. in music from Harvard University and studied music theory at the Hochschule für Musik in Freiburg, Germany.


«Fach- und Sachgeschichten. Zur Funktion musikwissenschaftlicher Fachgeschichte innerhalb musikhistorischer Narrative» (P32)

Anna Magdalena Bredenbach (Erfurt)

Der Begriff Master Narrative bzw. Meistererzählung ist in den letzten Jahren geradezu inflationär verwendet worden. Er bezeichnet ein Phänomen, das nur aus einer fachgeschichtlichen Perspektive heraus verstanden werden kann, das zugleich aber bis in die aktuelle Praxis der Musikhistoriographie hinein prägend wirkt. Begreift man Geschichtserzählungen nicht als originalgetreues Abbild einer vergangenen Realität, sondern als narrative Rekonstruktion und damit als Ergebnis von Selektions- und Deutungsprozessen, stellt sich zwangsläufig die Frage, wie und von wem jene Prozesse gesteuert werden. Welche Personen oder Institutionen haben die Macht, über die Deutung der Vergangenheit zu entscheiden – wer sind die «Meister der Erzählung» (Jarausch/Sarow 2002)? Es ist die fachgeschichtliche Forschung, die Antworten auf diese Fragen geben kann. Indem sie Erkenntnisse über die Formierung musikhistorischen Wissens gewinnt, kann sie nicht nur jene Prozesse dekonstruieren, sondern, so die These, auch zu einer Revision, zum Nach-, Um- und Neuerzählen von Master Narratives beitragen. Der Vortrag fragt nach der Funktion fachgeschichtlicher Zusammenhänge für die musikhistoriographische Praxis. Anhand narratologischer Textanalysen soll gezeigt werden, wie

a) fachgeschichtliche Kontexte (direkt oder indirekt) die Stoßrichtung musikgeschichtlicher Erzählungen prägen

b) fachgeschichtliche Erzählungen innerhalb eines musikgeschichtlichen Narrativs als argumentative Strategie eingesetzt werden, um die Glaubwürdigkeit eines Narrativs zu mindern

c) die Grenzen zwischen Fach- und Musikgeschichte regelrecht verschwimmen, sobald Akteure der Musikgeschichte ihrerseits zu Autoren historiographischer Texte werden.

In einem diskursiven Feld wie der Musikgeschichtsschreibung, das einerseits durch einen ständigen «intertextuellen Antagonismus» (Rigney 2003), andererseits durch das kontinuierliche und kollaborative Weiter- und Umerzählen etablierter Narrative geprägt ist, erweist sich die (implizite wie explizite) Bezugnahme auf fachgeschichtliche Zusammenhänge als ein zentrales Instrument, um hegemoniale Deutungsmuster zu identifizieren, sie (im günstigsten Fall) zu korrigieren und von neu gewonnenen Erkenntnissen oder Perspektiven zu überzeugen.

Anna Magdalena Bredenbach studierte Schulmusik, Musikwissenschaft, Germanistik und Rhetorik an der HMDK Stuttgart, der Universität Stuttgart und der Eberhard-Karls-Universität Tübingen. 2016 wurde Sie mit einer Arbeit über die Musikgeschichtsschreibung der Jahrzehnte um 1900 aus narratologischer Perspektive promoviert. Von 2014 bis 2019 war sie wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Musikwissenschaft und Musikpädagogik der HMDK Stuttgart. Seit 2016 ist sie zudem im Fachbereich Musik der Universität Erfurt tätig, zunächst als wissenschaftliche Mitarbeiterin und seit 2018 als akademische Rätin. Ihre Forschungs­schwerpunkte liegen in den Bereichen Theorie und Methodik der Musikgeschichtsschreibung, Musik um 1900, Musikwissenschaft und Musikpädagogik, Bach-Rezeption im 20. Jahrhundert und Musik und Gender. Neben ihrer wissenschaftlichen Tätigkeit schreibt sie Programmhefttexte und Konzerteinführungen; 2018 leitete sie die Programmbuchredaktion des 93. Bachfestes der Neuen Bach-Gesellschaft.


«Zur Materialität der musikalischen Analyse. Ein Beitrag zur Wissens- und Medienarchäologie der Musikwissenschaft» (P33)

José Gálvez (Bonn)

Das 19. Jahrhundert brachte nicht nur die «Idee der absoluten Musik» (Dahlhaus), das regulative «Werk-Konzept» (Goehr) oder eine zunehmende «(Selbst-)Reflexivität» der Musik (Janz) mit sich, sondern auch die Gründung der Wissenschaft der Musik als modernes akademisches Fach. Die Geschichte der Musikwissenschaft ist auf ihre bürgerlichen, heteronormativen, nationalistischen, eurozentristischen und rassistischen Züge hin erforscht worden (McClary, Bergeron/Bohlman, DeNora, Korsyn, Hentschel, Mendívil, Ewell).

Diese durchaus wichtigen, kulturkritischen Ansätze zur Fachgeschichte zielen meistens auf die symbolisch-diskursive Interpretation von musikwissenschaftlichen Texten – sie zielen auf eine tiefe, verborgene und verdrängte «Wahrheit» der Musikwissenschaft. Fragen nach den positiv-materiellen Bedingungen der Musikwissenschaft, Fragen also nach ihrer bloß liegenden «Wahrheit» werden kaum gestellt. Die wenigen Studien dazu kommen aus der Musikpädagogik (Heise, Vogt) und Mediengeschichte (Scherer, Kittler) und wurden in der Musikwissenschaft kaum zur Kenntnis genommen.

Ziel dieses Vortrags ist, einige positiv-materiellen Bedingungen der Musikwissenschaft am Fall der «Königsdisziplin» (Huber) musikalischer Analyse zu exponieren. Die These des Vortrags lautet: ab ca. 1800 im deutschsprachigen Raum wurden neuartige Lese-, Schreib- und Hörtechniken implementiert, die die moderne und heutig noch hegemoniale musikalische Analyse ermöglichen. Die Pointe ist allerdings, dass diese Techniken weder auf eine «emanzipierte» bürgerliche Musikkultur, auf die «Genialität» deutscher Komponisten, auf den «Geist» deutscher Gelehrter, auf den Rang von «Meisterwerken», noch auf «verborgene» Ideologien, Konzepte oder Absichten zurückgeführt werden.

Stattdessen werden diese Lese-, Hör- und Schreibtechniken als Resultat positiv-materieller Elemente wie staatspolitischer Bildungsreformen zur Alphabetisierung, musikalischen Erziehungsprogramme und klangbezogener Technologien dargelegt. Die musikalische Analyse büßt damit jegliche Idealität und Idealisierung ein und erscheint eher als Erzeugnis datierbarer und lokalisierbarer Lese-, Hör- und Schreibtechniken. Dadurch wird nicht nur eine andere Geschichte der noch heute hegemonialen Form von musikalischer Analyse erzählt, sondern lässt sich womöglich auch die Frage, warum die musikalische Analyse so wichtig für die Musikforschung ist/war, anders beantworten.

José Gálvez ist seit 2019 wissenschaftlicher Mitarbeiter am Lehrstuhl für Musikwissenschaft/Sound Studies an der Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn. Dort arbeitet er an der Dissertation «Subjekte des Sounds. Zur Analyse und Ästhetik populärer Musik.» Davor war er als wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institut für Medien- und Kulturwissenschaft der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf tätig. Er hat Musikwissenschaft an der Universität Hamburg und der Humboldt-Universität zu Berlin studiert. Seine Forschungsschwerpunkte liegen an der Schnittstelle zwischen musikalischer Analyse, Musikästhetik und Sound Studies.



«Historical Materialism and Music Historiography: Narratives of Music in Wartime Spain (1936–1939)» (P35)

Diego Alonso (Berlin)

Even if virtually ignored by music historiography so far, the Berlin-born Jewish musicologist Otto Mayer-Serra (1904–1968) holds a unique position in the intellectual landscape of 20th-century Spain. He was the first musicologist to develop in Spain a critical theory of music based on Marxist philosophy and greatly influenced by the positions on music history and aesthetics of Hanns Eisler and Ernst Hermann Meyer, to whose Berlin circle he belonged in the last years of the Weimar Republic. While exiled in Spain from 1933 to 1939, Mayer-Serra published ca. 250 articles in the country’s musical press. In them he expounded a narrative of music history which clearly distinguished between «pre-capitalist» and «capitalist» or «bourgeois» music. My presentation examines the essays on the history of «bourgeois» music (i. e. music from the 17th to the early 20th century) that Mayer-Serra published in the Catalan and Spanish press, in particular during the period of the Spanish Civil War. It discusses his materialist conception of music history, his view of the «heroic Beethoven» as a prototype for the socialist, antifascist citizen, as well as his habitual critiques to all aesthetic positions linked in any way to the concept of Kunstreligion or the «passive», «mystical», «narcotic» qualities of Romantic and Expressionist aesthetics (which –he argued– had ultimately led Germany and Spain to violence and fascism). These readings –notably influenced by Eisler’s and Meyer’s thought– had virtually no precedents in 1930s Spain and anticipated a number of positions that would be common in the first years of the German Democratic Republic.

Diego Alonso finished his studies of Musicology at the Universidad Complutense (Madrid) with two excellent academic performance awards. He received his PhD in 2015 with a thesis on Arnold Schoenberg’s influence on Roberto Gerhard’s music. He has been a visiting scholar at Humboldt University in Berlin, the University of Cambridge, Goldsmiths, University of London and the Staatliches Institut für Musikforschung (Berlin). Currently, he works as a postdoc researcher at Humboldt University (DFG-eigene Stelle). He is founder and leader (Sprecher) of the study group «Deutsch-Ibero-Amerikanische Musikbeziehungen» of the German Musicological Society.  He has published in leading musicology journals such as Acta musicologicaTwentieth-Century MusicMusic AnalysisDie Musikforschung, Journal of War and Culture Studies and Musicologica Austriaca (Best Paper Award 2019).


«Indo-Europeanism at the origins of francophone musicology» (P36)

Peter Asimov (Brussels)

Researchers across the humanities continue to examine the intellectual history of the ‹Indo-European› or ‹aryan› hypothesis (e.g., Demoule 2014, Aramini & Macé 2019, Hutton forthcoming). This hypothesis – namely, the idea of an essential and originary ‹proto-Indo-European› language, and by extension culture and even ‹race› – emerged from the discipline of comparative philology and assumed a quasi-hegemonic status over the nineteenth century. While historians have concentrated on the social and political impacts of this hypothesis and its attendant ethnic nationalism, Indo-Europeanism’s legacy in shaping cultural production has remained more elusive.

In this paper, I suggest that this lacuna may be well addressed through the historiography of music studies. To do so, I chart the centrality of Indo-Europeanism in the interwoven histories of francophone musicology and French composition, sketching how several Indo-Europeanist philologists (including Wagener, Paris, Burnouf, Meillet) directly shaped the priorities and techniques of multiple generations of musicologists (including Bourgault-Ducoudray, Gevaert, Combarieu, Aubry, Mocquereau, Emmanuel), and subsequently composers including Roussel and Messiaen. Whilst historiographical narratives of music studies have largely focused on the discipline’s germanophone (rather than francophone) roots, the structural consolidation of French higher education in densely networked Parisian institutions afforded multilateral crosscurrents of scholarly and artistic production, making it possible to ‹hear› intellectual and (inter)disciplinary histories in French modernist music. By attending to the role of musicological research in motivating specific instances of compositional experimentation, I call into question the distinction between our ‹disciplinary self-reflection› and ‹our objects of study›.

I conclude by connecting this intellectual history to ongoing efforts to expose the role of ‹race› in shaping music studies, while demonstrating that the discipline’s history of racism left enduring imprints not only in our epistemological frameworks, but also in beloved musical works we so often falsely characterise as ‹autonomous›.

Peter Asimov is a Fondation Wiener-Anspach Postdoctoral Research Fellow at the Laboratoire de Musicologie, Université Libre de Bruxelles. He recently completed his PhD at Clare College, Cambridge, and is currently working on a project exploring the legacy of philology in the music of Olivier Messiaen. He holds an MSt in musicology from New College, Oxford, and an A.B. in Comparative Literature (French and Sanskrit) from Brown University. He is an active and accomplished pianist and chamber musician.


«Fachgeschichte und musikalische Globalgeschichte» (P37)

Tobias Robert Klein (Berlin)

Anders als in der Geschichtswissenschaft haben es globalhistorisch-transkulturelle Ansätze in der (auch in dieser Hinsicht verspäteten?) Musikologie bis heute schwer: Nicht zuletzt der Hang zur fachlichen Spezialisierung und die engagierte Verteidigung intradisziplinärer Zuständigkeiten hat die institutionelle Abgrenzung zwischen notierter ‹westlicher Kunstmusik› und ihrem schriftlosen ‹ethnomusikologischen› Anderen bis in die jüngste Vergangenheit institutionell zementiert: In diesem Zusammenhang wäre es verführerisch, die in einer globalgeschichtlichen Skizze Walter Wioras prognostizierten Vier Weltalter der Musik (1961) probeweise auf die Fachgeschichte zu übertragen. Einer universalistischen Anfangsepoche – bei dem sich nach Guido Adlers programmatischer Abhandlung zu «Umfang, Methode und Ziel der Musikwissenschaft» der Händel-Forscher Friedrich Chrysander im ersten Band der Vierteljahrsschrift für Musikwissenschaft der Geschichte «Altindischer Opfermusik» widmet – folgte demnach in zwei Phasen eine Trennung und Ausdifferenzierung des Wissen, bevor Globalisierung und Eurozentrismuskritik erneut für einen Aufschwung globalgeschichtlicher Konzeptionen sorgen.

Aus fachgeschichtlicher Perspektive wird in der Diskussion um die ethische Notwendigkeit und pragmatische Realisierbarkeit musikalischer Globalgeschichte – aktuell befeuert durch  Neuerscheinungen wie Mark Hiljehs Towards a Global Music History – die Frage der Einheit des Faches und das Primat einer historischen Zugangsweise verhandelt, was auf konzeptueller Ebene ebenso zu diskutieren ist wie anhand konkreter historischer Konstellationen in seiner institutionellen Dimension verdeutlichen werden kann: So entwickelte sich aus einem Berliner Kolloquium zum Verhältnis von Musikgeschichte und Vergleichender Musikwissenschaft im Jahre 1971 eine über mehrere Jahre in Briefen, Broschüren, Aufsätzen und inneruniversitären Auseinandersetzungen ausgetragene, im Kontext transkultureller Geschichtsforschung heute wieder an Brisanz gewinnende Kontroverse: Zur Diskussion steht dabei im Zuge der etappenweisen Internationalisierung des Faches zwischen den 1960er und 1980er Jahren zugleich die Zukunft einer im deutschsprachigen Kontext etablierten Tradition «Vergleichender Musikwissenschaft» gegenüber dem sich international durchsetzenden amerikanischen Paradigma der «Ethnomusicology».

Tobias Robert Klein studierte Musikwissenschaft, Afrikanistik und Informatik an der Humboldt-Universität zu Berlin und forscht bzw. lehrt in Deutschland und Ghana: Als wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Universität Magdeburg und am Berliner Zentrum für Literatur- und Kulturforschung, sowie gegenwärtig als Privatdozent an der Humboldt Universität und Forschungsmitarbeiter der Universität Gießen. Seine Interessen, Projekte und Publikationen (z.B. mit Arbeiten zu Mozart, Wagner, Zemlinsky, Steve Reich, Walter Benjamin oder Carl Dahlhaus); nigerianischer und ghanaischer Literatur, der postkolonialen Musikgeschichte Ghanas, musikalischen Ausdrucksgebärden sowie Notationsystemen, transkultureller Historiographie, dem Musiktheater und der Fachgeschichte der Musikwissenschaft) gelten zu gleichen Teilen der (west-)europäischen und west­afrikanischen Musik-, Wissens-, Literatur- und Kulturgeschichte. Eine kommentierte Edition Gesammelter Briefe von Carl Dahlhaus ist in Vorbereitung.


«Musik-Stammbücher und Musikgeschichte(n) – Marginalisierung, Hierarchisierung und Potenziale» (P38)

Henrike Rost (Berlin)

Ob Felix und Fanny Mendelssohn Bartholdy, Gioachino Rossini, Clara und Robert Schumann, Maria Malibran oder Hector Berlioz – als Angehörige:r der künstlerischen Eliten Europas oder deren Umfeld, konnte man sich einer spezifischen Unterhaltungs- und Erinnerungskultur nur schwerlich entziehen: der zeitgenössischen Begeisterung für das Sammeln von Autographen in Stammbüchern. Der individuelle Umgang mit dem Phänomen, zwischen Aufgeschlossenheit, persönlicher Teilhabe und expliziter Ablehnung, weist dabei viele Facetten auf, die der prinzipiellen Vielfalt in der Gestaltung der im 19. Jahrhundert omnipräsenten Stammbuchpraxis entsprechen. Vor diesem Hintergrund gestattet es eine detailreiche Analyse und multiperspektivische Interpretation von Musik-Stammbüchern, die häufig Notenautographe, Gedichte und Zeichnungen zusammenführen, auf innovative Weise Musikgeschichte(n) zu erzählen.

Trotz ihrer offensichtlichen Bedeutung im gesellschaftlichen Umgang fand die musikbezogene Stammbuchpraxis des 19. Jahrhunderts in der Forschung bislang wenig Beachtung. Dies liegt zum einen in der eher distanzierten Haltung der historischen Musikwissenschaft gegenüber Unterhaltungskulturen begründet. Zum anderen führte das in der Stammbuchforschung fest etablierte Narrativ, die Stammbuchpraxis habe im 19. Jahrhundert durch gesellschaftliche Verbreitung und insbesondere durch die Teilhabe von Frauen eine Dekadenz erfahren, zu einer Marginalisierung, ja sogar zur wissenschaftlichen Ausblendung von Musik-Stammbüchern.

Vor diesem Hintergrund ist es ein zentrales Anliegen meines Beitrags, auf die vielseitigen Erkenntnispotenziale einer musikbezogenen Stammbuchforschung aufmerksam zu machen, um ein Bewusstsein für die Relevanz dieser Quellen, die interdisziplinäre sowie kulturwissenschaftliche Herangehensweisen geradezu herausfordern, in der Musikwissenschaft festzuschreiben. Darüber hinaus bietet der bisherige Umgang mit Musik-Stammbüchern Anlass, die Hierarchisierung und das enge Verständnis des musikwissenschaftlichen Quellenkanons, insbesondere auch in Hinblick auf vermeintlich originär ‹musikwissenschaftliche› Interessenfelder, zu diskutieren.

Henrike Rost wurde 2019 an der Hochschule für Musik und Tanz Köln promoviert. Ihre Dissertation Musik-Stammbücher. Erinnerung, Unterhaltung und Kommunikation im Europa des 19. Jahrhunderts (Böhlau 2020) ist die erste größer angelegte Studie zum Thema, auf Grundlage eines Quellenkorpus von über 60 Alben aus dem Zeitraum von circa 1790 bis 1900. Nach dem Studium der Musikwissenschaft und Italianistik an der Humboldt-Universität zu Berlin war Henrike Rost von 2015 bis 2019 als wissenschaftliche Mitarbeiterin am Musikwissenschaftlichen Seminar der Universität Paderborn und der Hochschule für Musik Detmold angestellt. Gefördert wurde sie von der Max Weber Stiftung durch Gerald D. Feldman-Reisebeihilfen sowie durch Aufenthalte als Stipendiatin am Deutschen Studienzentrum in Venedig.


«Musikwissenschaft und Musikpraxi. Problemgeschichte(n)» (P39)

Moritz Kelber (Bern)

Das Fach Musikwissenschaft war in seiner Gründungszeit Ende des 19. Jahrhunderts stark von Persönlichkeiten geprägt, die eine intensive musikpraktische Ausbildung erfahren hatten. Hermann Kretzschmar forderte 1903 ausdrücklich, dass ein Musikwissenschaftler «ein ‹guter Musiker›, ein praktischer Künstler» sein solle. Das junge Fach wurde von den Vertretern anderer alteingesessener Disziplinen argwöhnisch beäugt – vermutlich auch aufgrund der künstlerisch geprägten Biographien seiner Vertreter. Bis heute prägt die Musikpraxis die Viten zahlreicher Musikforscher*innen – nicht wenige absolvierten sogar ein vollwertiges Instrumentalstudium. Trotzdem ist das Verhältnis von akademischer Wissenschaft und musikalischer Praxis keineswegs spannungsarm. Obwohl Dissens selten öffentlich und in Schriftform ausgetragen wurde und wird, zeigen die andauernden Apelle, die Gräben zwischen Wissenschaft und Praxis zu überwinden, wie langlebig die Spannungen sind.

Dieser Vortrag beschäftigt sich mit den Problemfeldern im Verhältnis von historischer Musikwissenschaft und Musikpraxis. Am Beispiel der Literatur zu Ludwig van Beethoven und mit besonderem Fokus auf das Beethovenjubiläum 2020 fragt er nach den Ursachen von Konkurrenz und Rivalität zwischen Forschung und Praxis – z. B. um öffentliche Aufmerksamkeit. So treten Musikerinnen und Musiker keineswegs nur mit Konzerten und neuen Einspielungen der Werke des Komponisten, sondern auch mit Publikationen zu Leben und Werk in Erscheinung. In einem zweiten Schritt sollen anschließend institutionellen Konflikte und deren Entstehen in den Blick genommen werden, etwa der Streit um die Einführung der künstlerischen Promotion an deutschen Musikhochschulen. Die hier sichtbar werdenden Entwicklungen sollen schließlich mit allgemeinen hochschulpolitischen Tendenzen enggeführt werden.

Moritz Kelber studierte Musikwissenschaft, Rechts- und Politikwissenschaft an Universität München. Im Jahr 2016 wurde er an der Universität Augsburg mit einer Studie zur Musik bei den Augsburger Reichstagen im 16. Jahrhundert promoviert. Zwischen 2016 und 2018 war er Forschungsassistent an der Universität Salzburg. Seit September 2018 ist er Assistent am Institut für Musikwissenschaft der Universität Bern. Im WiSe 2019/2020 vertrat er die Professur für Historische Musikwissenschaft an der Universität München. Kelbers Forschungs­schwerpunkte sind die Sozialgeschichte der Musik des Mittelalters und der Frühen Neuzeit, die Wissenschafts­geschichte sowie der Bereich Digital Humanities.


«Decolonizing the Conservatory» (P03)

Christopher Smith, Lubbock (Texas)

The disciplinary and organizational models of the 21st century music conservatory emerge from a pedagogical philosophy which emphasizes canonic works, reified linear histories, exemplary individuals, and a hierarchy of greater and more transcendent versus lesser and more ephemeral values. The conservatory thus reflects post enlightenment models of commerce, knowledge, and value. And, the result is hegemonic, exclusive, privileged, and historically unjust system of access. The conservatory is riddled with historically conditioned ideological pitfalls, and its narratives of context, history, and meaning likewise contaminated. In order for musicology to unhook the inherent colonialist privilege in which it is complicit, it is essential the scholars, teachers, and theorists engage in a rigorous disciplinary self-reflection. Interrogating the conservatory’s hierarchies and philosophes of privilege is an essential first step in dismantling those structures and decolonizing those values.

Drawing on my extensive engagement as program designer and coordinator of an innovative teaching program housed within a conservatory, itself housed within a major Tier-1 research university, I will argue that change in such institutions must happen from within, and must be coordinated with those—faculty, students, and administration—who have both the nuts & bolts experience and the critical, historical perspective to make incremental change happen. Actual institutional change, even if initiated from without, must be buttressed and implemented from within.

In this presentation, I address three questions:
First: how have North American conservatory and university-music programs arrived at a pedagogical and philosophical model that excludes, narrows, programs, restricts, hierarchizes, and limits inclusive musical citizenship, in terms of repertoire, audience, student profile, and scope of opportunity?
Second: how do these processes of inclusion play out in 21st century North American contexts, in patterns of privilege and exclusion that are still observable and still damaging?

I argue on behalf of a significantly expanded, de-hierarchized, and empowering vision of musical citizenship: a role in which university and conservatory music teaching is shown to have the capacity to lead. The project will be of particular interest to educators and those engaged with educational policy, but it will also speak to much wide and even more central issues of cultural democracy in 21st century North America.

Chris Smith is Professor, Chair of Musicology, and director of the Vernacular Music Center at Texas Tech University. He composed the theatrical Dancing at the Crossroads (2013), the oratorio Plunder! Battling for Democracy in the New World (2017), and the immersive Yonder (2020). His monographs are The Creolization of American Culture: William Sidney Mount and the Roots of Blackface Minstrelsy (2013) and Dancing Revolution: Bodies, Space, and Sound in American Cultural History (2019); his next book is Sounding Histories: A Global Music History of the Anthropocene (2022). He conducts the Elegant Savages Orchestra folk group at Texas Tech, and concertizes on guitar, bouzouki, banjo, and diatonique accordion. He is a former nightclub bouncer, carpenter, lobster fisherman, and oil-rig roughneck.


«Transcultural Music Studies – a Decolonial Approach» (P42)

Lisa Gaupp (Lüneburg)

Defensive attitudes regarding what is «one’s own» and unconscious biases along dividing lines of gender, race, class or sexuality seem to rule not only individual behavior but also the curricula and contents of university music education itself as well as music practices and organizations. Deconstructing such othering processes and established political and educational concepts is at the core of a recently evolving transcultural perspective in musicology that answers to the call for decolonizing the university (Bhambra 2018; Mbembe 2016). This paper addresses some of the continuing biases and assumptions underlying musicological training and explores possibilities to avoid these by learning from transcultural music studies.

In order to do so, some examples as to how the quest to decolonize is standardized, negotiated and challenged in interdisciplinary academic narratives will be unraveled. For instance, since the so-called «writing culture debate», anthropological studies have acknowledged the importance of reflection upon one’s own position and the deconstruction of othering mechanisms. Postcolonial and queer studies have taken up critical and self-reflexive epistemological approaches in their contribution to the discussion on transculturality. Transcultural music studies draw on these two fields together with anthropological concepts.

The «transcultural turn» is also found in the field of music, with a longer history of critique of concepts such as «world music» as Eurocentric (Guilbault 1997). A related «decolonial turn» is also found in (ethno)musicology (Sardo 2018) and other academic music-related disciplines, involving seeing music practices as border-crossings (Peres da Silva and Hondros 2019; Kim and Riva 2014) and calling for greater visibility for underrepresented musical communities (Beyer and Burkhalter 2012). These different academic narratives will be brought together with further approaches from the field of (ethno)musicology, (queer) popular music studies (Fast and Jennex 2019; Barz and Cheng 2020) and music education that follow comparable transcultural perspectives. The paper will hence discuss how, by applying a transcultural perspective to musicological research and teaching, it is indeed possible to avoid the mentioned biases and thus decolonize the study of music.

Dr. Lisa Gaupp currently holds an interim professorship for cultural sociology at Leuphana University Lüneburg. She studied cultural studies, intercultural & international studies and ethnomusicology at the universities of Lüneburg, Barcelona and Hanover as a fellow of the German National Academic Foundation. She publishes on diversity, otherness, postcolonial theory, music and performing arts festivals, curatorial practices, othering, and urban music studies. Lisa Gaupp lived in the USA, Haiti, Guatemala and Spain and was the Executive Manager of the 2009 Hannover International Violin Competition (Stiftung Niedersachsen).


«Decolonising Musicology: A View from Opera Studies» (P43)

Lena Van der Hoven (Bayreuth)

Critiquing the Eurocentricism of operatic canon via the topic of exoticism has been long established (Said 1978, Bergeron 2002, Locke 2009, Till 2012) but a postcolonial reading of this canon as suggested from Tobias Klein (2013) is still rather an exception. The last few years, however, have seen an increased momentum within especially anglophone Opera Studies to oppose and dissect historically Eurocentric narratives (Karantonis / Robinson 2016, Ingraham / So / Moodely 2016, Matzke et al 2020) and to new problematizations of the racialized politics of cultural formations (André 2018, Black Opera Research Network 2020).

I will argue in this presentation for the necessary specificity of the Opera Studies call for a decolonial approach, grounding my argument in my current research on the history of opera in South Africa after the apartheid. During my regular research stays in the last few years I have witnessed how the #RhodesMustFall protests in 2015/2016 provoked intense academic debates in South Africa on decolonising the discipline and the histories of musicology in general (Venter / Fourie / Pistorius /Muyanga 2019): I will address how national, social and ethnic categories are shaping conceptions of the future discipline’s narratives, when blackness can be seen as the «bearer of what Walter Mignolo (2009) calls the colonial wound» (Venter / Fourie / Pistorius /Muyanga 2019).

My research suggests that being perceived as a symbol of colonialism, Eurocentrism and elitism by South African governments after 1990, opera (as a genre and industry) in South Africa is in an essential crisis (van der Hoven / Maasdorp 2020). I therefor argue for the paradigm-shift of decolonizing Opera Studies to enable the mandatory diversity of opera histories in South Africa and globally through a geopolitical shift of knowledge production. Such debates can seem distant to German-speaking musicology, where comparably intense reflections on the discipline seem to be still overdue.

Lena van der Hoven received a PhD in Musicology at Humboldt-University Berlin for her dissertation about the politics of musical representation in 18th century Prussia. She was a Postdoctoral Research Fellow at Max Planck Institute for Human Development, where she was working on «religious feelings» in operas of the 19th century. Since 2015 she has been Assistant Professor for Musicology at the University of Bayreuth, where she worked in the DFG project «Die Opera buffa als europäisches Phänomen». Since 2016 she is a member of the Bavarian Academy of Sciences and Humanities with her habilitation project on South African opera after the apartheid, for which she received in 2018 the Scientific Award of the University of Bayreuth.